The Cineplayer

Le avventure di Bianca e Bernie (1977)

2010-03-23T04:50:00.000-07:00

di John Lounsbery, Wolfgang Reitherman, Art Stevens

'Le avventure di Bianca e Bernie' è il quinto film classico della Disney ad essere stato prodotto dopo la morte di Walt Disney stesso, e , strano a dirlo, a distanziarlo dalle opere precedenti e successive c'è un abisso. Questa è probabilmente la più dark tra le animazioni classiche ed esagerando si potrebbe dire che un senso di morte pervade tutta l'opera. Per spiegare questo bisogna introdurre un'altro elemento fondamentale di tutto il film: gli ambienti; infatti, se i personaggi intesi in senso comune non convincono sempre, gli ambienti sono estremamente incisivi sia nell'immaginario sia nella narrazione. E' alquanto atipico che in un film d'animazione della film della Disney, con un pubblico di soli bambini (il cartoon commerciale con un vasto pubblico viene molto dopo) i paesaggi preponderanti siano rappresentati da una New York, straordinaria nelle scene diurne ma alquanto squallida nelle ben più importanti scene notturne, e soprattutto dalla palude (un nome un programma: La Palude del Diavolo), priva dei soliti elementi naturalistici rassicuranti, giocosi, fantastici (vedi Peter Pan), ma scomoda, marcia, paurosa. E' la palude il vero protagonista del film, una palude che contiene molti elementi negativi, dalla malvagia Medusa e dai crudeli Bruto e Nerone (i coccodrilli), alla claustrofobica grotta continuamente minacciata dalla marea in cui sono nascosti sterili tesori, insieme a teschi e scheletri; in questo contesto non possono che stonare gli appena abbozzati aiutanti di Bianca e Bernie qui presenti, buoni ma alla fine costretti a vivere in un luogo malvagio, in un luogo di morte appunto.

Per tutto il film è l'angoscia a prevalere, interrotta brevemente da siparietti comici che non aiutano a trovare un equilibrio; lieto fine posticcio a parte, alla fine il bene è solo caduco, non prevale mai definitivamente, il presente è nero, l'unica speranza è per un remoto Domani, come recita la canzone principale, 'Domani è un altro giorno'.

Dal punto di vista tecnico, agli ottimi disegni di fondo, in cui sono preponderanti le tonalità scure, non corrispondono altrettanto buone animazioni dei personaggi, e neanche il comparto audio, seppur accettabile, non raggiunge le eccellenze della Disney.

Le avventure di Bianca e Bernie rappresenta un'anomalia nel panorama Disney, sebbene si potrebbe ritenere il contrario ricordando il più celebre seguito (primo sequel di un classico, più famoso anche per l'immagine satanica), ma le differenze sono abissali: da una palude si passa all'Australia, terra solare, e si abbandona l'angoscia con una storia più eroica, simpatica e banale: si noti che il personaggio della libellula, che alla fine del primo film rimane con i due topini, scompare misteriosamente, come che gli autori abbiano voluto cancellare la memoria di certi ambienti.

Alla fine, da rivedere.

Voto: 7,5/10

Oscar 2010 - 82 Academy Awards - Tutti i vincitori

2010-03-08T02:34:00.000-08:00

MIGLIOR FILM: "The Hurt Locker'"
MIGLIOR REGIA: Kathryn Bigelow ("The Hurt Locker")
MIGLIOR ATTORE: Jeff Bridges ("Crazy Heart")
MIGLIOR ATTRICE: Sandra Bullock ("The Blind Side")
MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA: Christoph Waltz ("Bastardi senza gloria")
MIGLIOR ATTRICE NON PROTAGONISTA: Mònique ("Precious")
MIGLIOR SCENEGGIATURA ORIGINALE: Mark Boal ("The Hurt Locker")
MIGLIOR SCENEGGIATURA NON ORIGINALE: Geoffrey Fletcher ("Precious")
MIGLIOR FILM D"ANIMAZIONE: "Up"
MIGLIOR FILM STRANIERO: "El Secreto de Sus Ojos" (Argentina) di Juan Josè Campanella
MIGLIOR SCENOGRAFIA: Rick Carter, Robert Stromberg e Kim Sinclair ("Avatar")
MIGLIOR FOTOGRAFIA: Mauro Fiore ("Avatar") MIGLIORI COSTUMI: Sandy Powell ("The young Victorià)
MIGLIOR MONTAGGIO: Bob Murawski e Chris Innis ("The Hurt Locker")
MIGLIOR TRUCCO: Barney Burman, Mindy Hall e Joel Harlo ("Star Trek")
MIGLIOR COLONNA SONORA: Michael Giacchino ("Up")
MIGLIOR CANZONE ORIGINALE: "The Weary Kind", di Ryan Bingham e T.Bone Burnett ("Crazy Heart")
MIGLIOR MONTAGGIO SONORO: Paul N.J. Ottosson ("The Hurt Locker")
MIGLIOR SUONO: Paul N.J. Ottosson e Ray Beckett ("The Hurt Locker")
MIGLIORI EFFETTI SPECIALI: Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham e Andrew R. Jones ("Avatar")
MIGLIOR DOCUMENTARIO: "The Cove" di Louie Psihoyos e Fisher Stevens
MIGLIOR CORTO DOCUMENTARIO: "Music by Prudence" di Roger Ross Williams e Elinor Burkett
MIGLIOR CORTO ANIMATO: Logorama di Nicolas Schmerkin
MIGLIOR CORTO D"AZIONE: "The New Tenants" di Joachim Back e Tivi Magnusson

The Hurt Locker (2008)

2010-03-07T13:34:00.000-08:00

di Kathryn Bigelow
con Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, Ralph Fiennes, Evangeline Lilly

Due parole vale la pena spenderle anche per The Hurt Locker, altro film favorito (e maggiormente candidato) per gli Academy Awards. Due parole, in quanto l'argomento è troppo complesso per essere trattato approfonditamente, non dal punto di vista cinematografico ma per la valenza di questo film nel panorama dell'intrattenimento. The Hurt Locker è un film duro, a partire dalla tecnica registica e dalla fotografia, che si pongono l'obiettivo di descrivere in modo assolutamente oggettivo un episodio, una storia, ma anche una Storia con la S maiuscola, che la retorica inevitabilmente svuoterebbe. Il protagonista è un artificiere dell'esercito statunitense all'opera in prima linea in Iraq, e la macchina da presa segue in maniera neutra, ma per questo ancora più intensa, le sue esperienze, la sua vita sempre appesa ad un filo, sempre a pochi metri o centimetri da ordigni micidiali che, nell'intenzione di chi li ha costruiti, servono soltanto ad uccidere. Un'esistenza, la sua, che abbandona ogni ideale e speranza di divenire migliore, ma che, alla fine, scoprirà imperniata sul valore civile, oltre che militare. Ma The Hurt Locker non è solo la storia di un uomo, è la storia di molti uomini, infatti il protagonista è soltanto un sostituto dell'artificiere che prima di lui lavorava nella medesima squadra, ma che è rimasto sul campo; è la storia di un'ossessione, al guerra, che non permette a chi l'ha vissuta di dimenticarsene una volta tornato in patria, ma è come in un tunnel senza uscita, da cui non si vuole uscire, ne' si può. Dopo l'Iraq, vuole dirci la regista, non esiste più nulla, se non un'altra guerra, ed è meglio tornare sul campo di battaglia che combattere contro se' stessi.

Da un punto di vista prettamente cinematografico, come già detto, domina un desiderio di realismo, forse di iper realismo, smorzato solo in una parte insignificante da un'attribuzione di passate epiche gesta al protagonista di gusto tutto americano e da una parte di pur esile sentimentalismo. E' dunque necessario un pur accennato confronto con 4 mesi, 3 settimane, 2 giorni, da cui è sicuramente debitore dal lato artistico: se in quest'ultimo film l'iperrealismo portava ad una tensione esasperata del concetto, della storia e dei personaggi, producendo un capolavoro, in The Hurt Locker questo fallisce, ma non in senso assoluto, solo in relazione ad una visione da parte di chi, come noi, non sia appartenente al popolo americano e a tutte le sofferenze sotterranee che ha vissuto negli ultimi anni. Questo non significa che non si possa trovare in quest'opera un qualche messaggio o sentimento in cui possiamo ritrovarci, ma sicuramente che chiunque ha acclamato, e acclamerà sinceramente questo film come un capolavoro pur non essendo americano, opererà una forzature intellettuale che deve essere considerata artificiosa.

Giudizio: 6,5/10

Aggiornamento 08/03: Curiosità : Con la poco sorprendente vittoria dei due Oscar più ambiti (Film e regia) e di altri quattro di The Hurt Locker entra a far parte della storia dell'entertainment cinematografico anche Gears of Wars, con cui si consuma nel film uno dei pochi momenti ricreativi per i soldati.

Avatar (2009)

2010-02-06T09:55:00.000-08:00

di James Cameron
con Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi

Jake Sully, ex marine in sedia a rotelle, viene ingaggiato per manovrare un Avatar di Na'vi, popolazione indigena aliena, per convincerli a lasciare il loro luogo d'origine. Ma ben presto si unirà alla causa Na'vi e combatterà contro la sua stesa gente.

Avatar è stato pubblicizzato, e quindi successivamente acclamato, come il film che avrebbe riportato le grandi masse al cinema, con l'introduzione della tecnologia 3D IMAX su vasta scala, e come il film il che avrebbe rivoluzionato definitivamente questo mondo. Per prima cosa bisogna ricordare che la tecnica stereoscopica approda al cinema nel lontano 1922, che il periodo d'oro della terza dimensione è stato a metà degli anni cinquanta e che fino agli anni Ottanta furono presentati prodotti di questo tipo. Non dimentichiamoci poi che la qualità di un film non è proporzionale agli effetti speciali (vedi, tra i molti, La guerra dei mondi di Spielberg).Tutto ciò non significa comunque che la tecnica e gli effetti speciali donino ad Avatar molta godibilità, e, perché no, anche una buona dose di sano divertimento.Oltre a questo, James Cameron si è confermato come un cineasta dalle grandi doti. Riesce perfettamente nel suo intento di creare un mondo, Pandora, in cui lo spettatore riesca a perdersi con lo sguardo, e addirittura a stupirsi, nell'avanzare delle situazioni e degli eventi coordinati in modo impeccabile in modo da non far perdere un colpo al ritmo. Avatar è un film semplice, e non necessita di discorsi lunghi e/o complicati. I Na'Vi sono il corrispondente dei nativi americani, e il messaggio di fondo, come accade troppo spesso, snaturandolo, è ecologista. Pandora è l'unico elemento veramente notevole oltre alla bravura del regista (il bestiario e la vegetazione, lo ripeto, sono realizzati ottimamente), e poco importa alla fine se la trama è troppo semplice e sfocia nel banale, e se i personaggi hanno meno profondità delle bestie di Pandora (infatti il personaggio migliore è quello più piatto, il comandante cattivo); Avatar resta un buon film che si riesce ad apprezzare anche ad ulteriori visioni oltre alla prima.
Due cose da segnalare: la prima è l'importanza effettiva del 3D nelle dinamiche del film (se, cioè, sia veramente necessario); la seconda è la spudorata copiatura di elementi tratti dal mondo dei videogiochi per creare alcuni elementi (le granate sono due granate di Half Life 2 incollate, alcuni mezzi volanti sono ripresi fedelmente dalla saga di Halo, in particolare il secondo capitolo, gli animali sia terrestri che volanti che si fanno cavalcare ricordano troppo le mount di World of Warcraft, poi, più in generale, uno stile fantascentifico evolutosi fuori dal cinema).
Giudizio numerico: 8--

P.S.: Il più diretto 'concorrente' di Avatar nei suoi punti cruciali ,effetti speciali e affluenza nelle sale, è Star Wars (1977), il quale , secondo mia opinione, è più innovativo nel primo punto, e, secondo i numeri, è stato più magnetico nel secondo punto.

La rabbia di Pasolini (2008)

2010-02-04T00:59:00.000-08:00

Introduzione di Giuseppe Bertolucci (2’)
Materiale inedito dell’archivio dell’Istituto Luce (16’)
La Rabbia (edizione del 1963, 53’) del Gruppo Editoriale Minerva RaroVideo
Appendice: L’aria del tempo (12’).
Durata totale: 83’

Pasolini disse, parlando de 'La Rabbia': “un saggio polemico e ideologico sugli avvenimenti degli ultimi dieci anni. I documenti sono presi da cinegiornali e da cortometraggi e montati in modo da seguire una linea cronologica ideale, il cui significato è un atto di indignazione contro l’irrealtà del mondo borghese e la sua conseguente irresponsabilità storica. Per documentare la presenza di un mondo che, al contrario del mondo borghese, possiede profondamente la realtà, ossia un vero amore per la tradizione che solo la rivoluzione può dare”. Ma il film non fu questo, o almeno lo fu solo in parte, in quanto la produzione impose che fosse Guareschi, illustre esponente dell'intellighenzia di destra, a curare il primo episodio. Pasolini si sentì tradito. Questa versione del 2008 attraverso un attento lavoro filologico riuscì a ricostruire la prima parte (16') come, in teoria la avrebbe pensata Pasolini, e aggiunge in appendice 'L'aria del tempo', un'interessantissima raccolta di documenti video dell'epoca che dimostrano come la campagna mediatica contro l'intellettuale di sinistra fosse quanto mai aspra.
Tutta questa operazione non può però mancare di sollevare qualche dubbio: perché restaurare un film semi-sconosciuto (all'epoca fu ritirato subito dalle sale) togliendo una parte essenziale, come l'episodio di Guareschi? Per riportare in vita l''originale'? Ma non è l'originale quello uscito in sala? Non si rischia così di rendere estremamente difficoltosa la distribuzione della versione uscita nelle sale? Non puzza tutto, in ultima analisi, di un'operazione ideologica? Ai posteri l'ardua sentenza.
Riguardo al film in sè, è un collage di documenti degli anni del dopoguerra, con una visione spesso pessimistica della situazione globale. L'ideologia di Pasolini si vede parecchio invecchiata, e in alcuni tratti assolutamente antiquaria (si pensi alla scena in qui osanna i villaggi sovietici, in cui i contadini sono contenti di lavorare e possono godere liberamente dell'arte), ma tutto sommato qualche massima universale si può ricavare, oltre che un buon valore documentario.
Da antologia l'emozionante ricordo di Marilyn Monroe.

Pizza a Auschwitz (2008)

2010-01-27T08:14:00.000-08:00

di Moshe Zimerman
con Danny Chanoch, Miri Chanoch, Sagi Chanoch
Durata: 52 min

Per la Giornata della memoria. Danny Chanoch, anziano superstite di Auschwitz, porta i suoi due figli a seguire il percorso che lui ha fatto da bambino, dalla sua città natale in Lituania ad Auschwitz.

Questo è un mediometraggio che non può non smuovere gli animi e portare alla riflessione. E' la testimonianza girata in presa diretta di un uomo che ha vissuto la tragedia dell'Olocausto, e che cerca di farla comprendere ai suoi figli. Sagi è molto religioso, e non parla quasi mai. Miri invece è molto critica, e non perde occasione per discutere col padre sul significato di quel viaggio, così lontano da casa (vivono tutti in Israele). I temi chiamati alla riflessione sono molteplici, dal nuovo razzismo europeo, ai diritti dei superstiti ebrei e la loro posizione nel mondo, la possibilità e l'utilità di comprendere quelle esperienze, la sofferenza di una famiglia e dei figli di un padre che non manca un'occasione per ricordare il suo passato. Un commento cinematografico non è possibile, in pratica il film è costituito da quattro o cinque persone che fanno questo viaggio e un altro paio che le seguono per testimoniare e registrare il fatto. Non c'è praticamente scrittura, si pensi che all'inizio il programma è passare per tre campi di concentramento- sterminio di cui l'ultimo è Auschwitz, ma non si va oltre al primo. Passato solo in pochi festival e cineforum, in lingua originale (ebraico) sottotitolato.

The Horsemen (2009)

2010-01-08T03:07:00.000-08:00

di Jonas Åkerlund
con Dennis Quaid, Zhang Ziyi

Il detective Breslin si trova ad indagare su una serie di inquietanti omicidi, che scopre essere legati tra loro dal libro dell'Apocalisse di Giovanni. Quattro assassini, quattro Cavalieri, e la catena porta a lui.

la maggior parte della critica ha visto in questo film il tentativo di continuare, forse di evolvere, quel filone horror tipico degli anni Duemila - di cui fanno parte Saw - l'enigmista e Hostel - che mira particolarmente ad impressionare. In realtà sono molto più appropriati dei collegamenti con un'altra opera, il mediocre 8MM - Delitto a Luci rosse di Joel Shumacher con Nicolas Cage, soprattutto negli aspetti legati alla psicologia del personaggio, approfondita (o almeno questo era il tentativo) al punto giusto, al contrario dei film sopra citati che seguivano un modello corale. Detto questo in questo film non c'è altro motivo di interesse, a parte forse chiedersi il motivo di una campagna pubblicitaria abbastanza massiccia per un prodotto del genere. Al di là del livello tensione, che bisogna ammettere che è buono e a volte riesce anche a montare discretamente, tutto il resto è da buttare. Dennis Quaid è al suo peggio, e gli attori che gli girano intorno fanno di tutto per superarlo in piattezza recitativa; la sceneggiatura è veramente pessima, dalla storia (gli assassini come i cavalieri dell'Apocalisse è troppo banale) ai dialoghi insulsi, da degli errori inconcepibili (vedi sospensione finale, senza aiuti), fino a un finale che ogni essere mortale spererebbe di non vedere mai. Le cadute nel ridicolo sono molto frequenti, e la morale che vorrebbe esserci sotto (il disagio giovanile, le brutture della vita) non vale nulla. Da evitare.
Giudizio: 3,5/10

Lo scoiattolo (Die bergkatze)

2009-12-16T03:10:00.000-08:00

di Ernst Lubitsch

Film in quattro atti: un soldato con la fama di grande seduttore viene trasferito in una fortezza di confine, e durante il viaggio viene rapito da una brigantessa che si innamora di lui; riesce a liberarsi e dopo un attacco ai briganti gli viene quasi imposto di sposare la figlia del comandante dell'avamposto; durante la festa per la vittoria contro i briganti questi ultimi si introducono nella fortezza rubando tutto, e il protagonista si rende conto di amare la brigantessa; la brigantessa sposa uno della sua banda ma quando viene a sapere delle nozze dell'amato si reca da lui, ma alla fine lo allontanerà da lei per lasciarlo alla sua legittima sposa.

Mi sono dilungato un po' sulla trama del film in quanto è di grande importanza per comprendere l'impatto che ebbe e la relazione con l'oggi. Per prima cosa bisogna dire che Lo scoiattolo (il titolo è riferito alla brigantessa, ma non ha grande importanza) fu il primo grande flop di Lubitsch, ancora nella sua fase tedesca, benchè lui stesso non lo considerasse un fallimento, e a causa del suo scarso successo di pubblico è giunto fino a noi molto in sordina, è misconosciuto. In realtà uno degli argomenti più interessanti da trattare parlando di quest'opera è proprio il suo invecchiamento, neanche a dirsi, al di là degli aspetti tecnici, estremamente buono. La storia, come avrete già intuito, è quella classica di un amore impossibile, trattata fin dall'antichità greco-romana in mille salse; è il genere però che in questi ultimi anni (diciamo una decina, per fortuna è in esaurimento) ha avuto molta diffusione: si potrebbe definire, non forzosamente, una commedia romantica, in quanto le parti dense di ilarità sono molte, e la storia d'amore il perno del film (in fondo Lubitsch è tutt'altro che estraneo al genere, per usare un eufemismo). Nelle varie commedie romantiche, spesso di scarsa qualità, troviamo spesso, se non sempre, degli elementi che contraddistinguono il genere, come il matrimonio forzato, uno dei due amanti fuori dalla portata dell'altro, le gag erotiche, spesso i banchetti; ne 'Lo scoiattolo' Lubitch riesce perfettamente a mescolare tutti questi elementi, per ricavarne una formula estremamente divertente (difficile trattenere almeno un sorriso quando il protagonista, che sta lasciando il suo paese, viene inseguito da un centinaio di donne invasate e una gli grida 'Grazie per averci soddisfatto', e lui: 'ho fatto quello che potevo', e a seguire una quarantina di bambini che gli gli gridano 'ciao papà!')e allo stesso tempo pieno d'azione, come l'attacco dei soldati alla banda di briganti, combattuto prevalentemente a palle di neve, o l'incursione degli stessi briganti nella fortezza mentre sono tutti ubriachi, in cui si uniscono alla festa. Un'altra scena da segnalare(anche per sottolineare la particolarità dell'immagine femminile, della brigantessa interpretata da Pola Negri, tutt'altro che sottomessa, quasi una femme fatale), si svolge nell'accampamento dei briganti, subito dopo che questi stessi hanno tentato di uccidere il loro capo, padre della brigantessa: questa con un frustino insiste sul fondoschiena di questi per punirli, ma questi non sembrano disdegnare, e il padre le dice 'Non viziarli troppo'. Da notare anche le fantastiche scenografie, che contribuiscono a donare un'atmosfera fantastica (alcune forma architettoniche sono quasi astratte); l'unico elemento di immaturità in un film decisamente gradevole, al di là dell'aspetti artistico, è forse l'utilizzo di alcuni espedienti per ridurre il campo visivo ed includerlo in varie forme, per evadere il problema della prospettiva dell'ambiente, ma si può perdonare ad un film tedesco muto del 1921 (manca ancora qualche anno per vedere Metropolis di Lang, del 1927). Segnalo la recente rimusicazione di Marco Dalpane, che contribuisce ad un'atmosfera più frizzante.

Ancora su Religiolous, in riposta ad un commento

2009-12-01T07:54:00.001-08:00

ahah. Dopo questa recensione non potevo non aspettarmi degli attacchi anche personali, che comunque accetto. Premettendo che la mia è solo un'opinione, e non una verità assoluta (altrimenti faccio la figura del tipo del film), vorrei far cadere l'attenzione (cosa alquanto ambiziosa) sul concetto stesso di scienza e di ragione, quella che da Cartesio arriva fino alla fine del'800, e che l'epistemologia novecentesca, nata da crisi matematiche e fisiche ( si veda il relativismo di Einstein) ha di fatto distrutto. E' ovvio che nella recensione pare che io voglia giustificare le religioni, ma celatamente sta qui la mia critica. Posso comunque condividere che il documentario non abbia pretese scientifiche (altrimenti sembrerebbe un libro di Odifreddi), ma questo, sempre secondo me, non lo salva dal basarsi su un metodo che personalmente non condivido.

P.S.: volevo comunque postare una cosa del genere, quindi non è mia intenzione contraddire nessuno, il commento dell'utente è stato solo un catalizzatore.

Watchmen

2009-11-21T01:08:00.000-08:00

Di Zack Snyder
Con Malin Akerman, Jackie Earle Haley, Carla Gugino, Jeffrey Dean Morgan, Matthew Goode, Billy Crudup, Patrick Wilson, Stephen McHattie, Matt Frewer, Carrie Genzel

Ci troviamo senza dubbio davanti a un lavoro particolare, sicuramente degno di nota. Questo non significa che sia un capolavoro, e si fatica purtroppo anche a dire che sia un bel film.
Ma partiamo dagli aspetti positivi, quelli che lo rendono u n film da vedere: ogni grande opera (e, come abbiamo già detto, questa la si definisce difficilmente tale) ha più piani, o livelli, di lettura; anche Watchmen si può leggere in minimo tre modi, tutti interessanti: il primo, quello più semplice, più diretto, quello diretto al grande pubblico è ovviamente quello prettamente narrativo, che riguarda la storia e i personaggi. Questo aspetto è forse il più riuscito, e anche il più anomalo e meno banale: innanzitutto i personaggi sono quanto mai particolari (ovviamente molti dei pregi da attribuirsi al film sono prima di tutto pregi dell’originale graphic novel), non vediamo i soliti supereroi iperattivi e intenti a salvare il mondo, ma degli uomini, e donne, stanchi, disillusi, che riconoscono l’impossibilità di ottenere un riscatto da una società che ormai da molti anni non li vuole più (Nixon, al suo ennesimo mandato, ha vietato le maschere). E anche quando alcuni di loro cercano un ritorno alle glorie del passato sanno che nulla è più come prima, eccetto forse che sapeva fin dal principio che quel mondo splendido non è mai esistito (gli Usa hanno vinto la guerra del Vietnam, ma sembra che proprio da lì sia iniziata un’inesorabile decadenza). E’ da qui che si capisce che il pubblico del film è un pubblico maturo, non di bambini ed adolescenti. Le riflessioni sulle questioni esistenziali non si risparmiano, e se non si è interessati a questo tipo di film potrebbero risultare anche noiose (considerando l’economia generale dell’opera).
Il secondo livello è quello sociale, ed è quello che ha decretato il successo di critica del film; a ben guardare,però, la sua forza si ferma quando si intuisce che sono semplici considerazioni di carattere critico sull’America inserite in un modo (poco) fumettoso di supereroi. Il mondo è nel pieno della guerra fredda, che negli Anni 80 si fa sempre più pericolosa, e USA e URSS sono al limite dello scontro; Nixon è al suo quinto mandato; nelle vie cittadine c’è morte e distruzione, e la polizia non ha più alcun potere; non si può più sperare neanche negli eroi mascherati, luminosi nella Seconda Guerra Mondiale. L’aspetto sociale è, come già detto, estremamente valido se considerato funzionale all’ambito narrativo, ma preso a sé mostra alcune incertezze.
Il terzo aspetto, quello più complesso, è prettamente metafisico, e sfocia direttamente nel nichilismo e nel relativismo (il che dispiace, ma non può essere qui criticato). Ovviamente questo è generico e posticcio, ma interessante in quanto un argomento metafisico in un film di questo genere è quanto meno raro.
In estrema sintesi questi sono gli aspetti interessanti, e valgono largamente la visione. Per quanto riguarda i difetti, sarò breve, non c’è molto da dire. Il film è molto lungo (due ore e mezzo), e se non visto in sala sarà difficile non distrarsi mai; i personaggi sono troppi, e si capisce come il progetto fosse troppo pretenzioso nel voler mantenere tutti i contenuti del fumetto. Infine, la carne al fuoco è sicuramente troppa, sono moltissimi gli argomenti interessanti che vengono appena accennati (ma forse sta qui il carattere più valido…).
Se vi siete stancati del solito fumettone anni 50 (e anche di quello più dark ma sempre buono tipo gli ultimi Batman), quest’alternativa post-punk infarcita di cinismo e senza un lieto fine fa per voi.
Giudizio: 7,5/10

Religiolus - Vedere per Credere

2009-11-14T01:04:00.000-08:00

regia di Larry Charles

con Bill Maher

Un tizio va in giro a parlare con gli sconosciuti e dicendo cose a caso e poi dice di aver fatto un documenterio sulla religione.

Ci sono film che non si possono vedere? No. A parte questo, forse. Questo film dovrebbe essere un documentario sulla religione, assolutamente di parte (che non è un difetto), da un punto di vista scettico-scientifico. Purtroppo non si salva niente. Per prima cosa bisogna vedere chi è il protagonista: Bill Maher vorrebbe, come già detto, un film critico sulla religione da un punto di vista scientifico: il problema è che lui non sa nulla ne' di religione ne' di scienza: come si vede sin dall'inizio del film il conduttore è infatti un cabarettista fallito degli anni '80.
Le uniche nozioni sulla religione sono in purissimo stile americano, sembrano prese direttamente da un sito internet di quart'ordine, ovviamente decontestualizzate e senza filo logico. Non si riesce realmente a cogliere una coerenza argomentativa in tutto quello che viene detto.
Fin qui abbiamo già individuato un prodotto pessimo, ma tuttavia ci si potrebbero fare quattro risate in faccia a questo tipo convinto di ciò che dice, e che, si vede chiaramente, dice cose senza senso.
Si pensi che non si arriva neanche lontanamente un discorso con persone competenti in materia (ci mancherebbe!, il conduttore non reggerebbe neanche un secondo!):infatti per primi vengono intervistati, sul tema, dei camionisti (assurdo ma vero) e via così tra commessi di negozi di oggettistica religiosa turisti di plasticose e molto american stile ricostruzioni della Terra Santa (persino un attore che interpreta Gesù, chissà, forse si pensava di parlare con quello vero), tutti notoriamente esperti in questioni teologiche (...). OK. Ma qui viene il bello, qui casca tutto, e farete fatica a crederci pur vedendolo: per illustrare le linee guida di una religione minore americana, si filma un barbone (!) a Londra (cosa c'entra Londra?) che grida delirante in mezzo ad una piazza per un pezzo di pane citando a caso suddetta religione. Ma andiamo avanti. Un altro punto topico è l'intervista, ad Amsterdam, di un tipo 'fatto' che dice di aver creato una religione (il nome non lo sa neanche lui, non ci sono seguaci, non ci dicono niente: c'è il dubbio che sia una farsa), e tutta l'intervista è svolta mentre il tizio è sotto effetto di stupefacenti: anche qui, come in tutti (proprio tutti) gli altri dialoghi, vengono montate in video dei sottotitoli denigratori (ma l'intervistatore non sapeva parlare?) in puro stile televisivo trash.
Quando poi si sente che 1) Maher non conosce la celeberrima interpretazione Galileiana della Bibbia, secondo cui essa è stata scritta senza criteri scientifici e deve essere posta in un determinato contesto storico (la Bibbia vale per lo spirito, non c'entra con la scienza): fatto che viene ribadito in una breve intervista ad un ecclesiastico dell'Osservatorio Vaticano: l'intervistatore fa una faccia inebetita e non riesce a dire niente (non ci arriva?); 2) non conosce neanche una parola di filosofia, si vede distante un chilometro che non ha mai letto un libro in vita (vedi i prima citati siti decontestualizzanti), da Agostino a Tommaso a Popper per quanto riguarda l'Olocausto, figuriamoci poi i greci; 3) non concepisce la Trinità nell'Uno, da un punto di vista logico si potrebbe spiegare ad un bambino di 10 anni (anche qui, forse non ci arriva); 4) utilizza come prova a sostegno della non esistenza di Dio il fatto che non si veda (purtroppo non sto esagerando); allora i dubbi crescono.
Ma ad un certo punto si capisce che il film può diventare pericoloso: l'autore non cerca qualcosa, e convinto di avere ragione: spesso ride in faccia alla gente (ma scherziamo!?), arriva ad essere esplicitamente razzista contro ebrei e musulmani, ritrae , questo inaccettabile, tutti (proprio tutti) i musulmani come fanatici terroristi e suicidi, imputa tutti (tutti) i mali del mondo alle religioni.
Le scene finali fanno venire i brividi: si vede come Maher non riesca minimamente a distinguere religione e politica, e si dice esplicitamente che se le religioni non verranno sradicate il mondo finirà.
Non lasciamo il mondo ai fanatici. Non lasciamo l'informazione agli ignoranti. Questo film è un monito.
GIUDIZIO: NON GIUDICABILE NELL'IGNOMINIA (meno di 0/10).

Contro lo spot Coca-Cola

2009-05-12T12:17:00.000-07:00

Penso che ognuno di voi abbia avuto una reazione, magari diversa uno dall'altro, vedendo questo spot pubblicitario. Ad uno primo sguardo potrebbe sembrare carino, simpatico, addirittura intelligente. Poi è naturale storcere il naso vedendo che è uno spot della coca-cola, con le conseguenze ovvie che vengono alla mente, cioè che è una multinazionale, che chi commissiona la pubblicità non è certamente in quelle condizioni, ecc. ecc..
In realtà il problema è ben più serio: qui ci è posta come naturale qualcosa che non lo è.
La crisi finanziaria che ormai si è largamente diffusa nell'economia reale ci è raccontata come un fatto naturale, sì terribile, ma inevitabile. Il pensiero dei grandi lobbisti così predomina incontrastato facendo il lavaggio del cervello alle masse di lavoratori che prima di tutti stanno pagando. Alle corporations fa comodo che la pensi che la crisi economica sia un fatto con le stesse caratteristiche di casualità di un'eruzione vulcanica, in modo che così i grandi manager e le multinazionale, come appunto la coca-cola, possano continuare con le loro speculazioni e i loro sfruttamenti (ricordiamo che la coca-cola ha interessi in moltissimi campi, fino alle armi). La povera gente in questo modo non potrà protestare, lamentarsi, pensare di poter fare qualcosa; non penserà di dare la colpa ai grandi industriali che hanno causato la crisi, al massimo penseranno che tutto questo l'ha voluto Dio.
Dobbiamo fare in modo che questo indottrinamento attraverso il mezzo televisivo sia fermato!
Non possiamo permettere che i grandi borghesi ci impongano sopportare e patire per i disastri da loro causati, nel solo nome dell'arricchimento sfrenato!
I lavoratori devono liberarsi dalle catene dell'oppressione capitalistica e non accettare più che questo sistema continui ad esistere!
Contrastiamo questo spot che ci dice di stare buoni e subire, ribelliamoci subito e l'effetto sarà immediato!
Contro la Coca-Cola, contro lo sfruttamento capitalistico!

Sic hic iocus finem habet.

4 Mesi, 3 Settimane e 2 Giorni (recensione)

2009-02-15T10:12:00.000-08:00

di Cristian Mungiu (2006)
con Anamaria Marinca, Vlad Ivanov, Laura Vasiliu

Otilia e Gabita, due studentesse che condividono la stanza in un dormitorio universitario, vivono la loro vita durante gli ultimi anni del comunismo in Romania, sotto Ceausescu. Gabita è incinta ma non vuole il bambino, e Otilia contatterà un uomo che, illegalmente, pratica l'aborto; ma il costo sarà molto alto.

Vincitore della Palma d'oro a Cannes, 4 mesi, 3 settimane e 2 giorni è un capolavoro che difficilmente si può ridurre a parole.
L'ambiente in cui avvengono i fatti è forse il vero protagonista del film: i luoghi sono grigi, bui, freddi; le persone non sono certo migliori, vediamo infatti portieri di alberghi curiosi e meschini, fidanzati con rapporti artificiali, famiglie ipocrite e false. lo specchio di un paese, alla fine degli anni Ottanta, ancora sotto la morsa del comunismo, con la conseguente alienazione di ogni singolo individuo, che non può più cercare un contatto sincero e immediato.
L'unico spiraglio, nel film, è l'amicizia tra Gabita e Otilia, che sarà messa a dura prova dalla gravidanza indesiderata della prima, e dall'aiuto offertole dall'amica.
Questo non è un film sull'aborto, o meglio, può diventarlo in quanto ogni azione proibita, nell'ambito dittatoriale, che rientra nei diritti fondamentali, nel momento in cui diventa necessaria si trasforma in un trauma, in una tragedia. Qui l'aborto, ma potrebbe veramente essere stata qualsiasi altra cosa.
Il dolore portato da questo evento, amplificato al massimo dalla consapevolezza di essere fuorilegge e dal senso di colpa represso, è dominante in ogni scena, fino allo scioglimento finale, in cui l'unico rifugio, l'unica soluzione è cercare di dimenticare: dimenticare la legge, dimenticare la violenza inflitta a sé stessi, da altri e ad altri, dimenticare di essere umani.
Possiamo dire con certezza di fronte ad un film neo espressionista, che sottolinea, carica di pathos ogni situazione attraverso lo studio scientifico, attraverso l'analisi e una messa in scena cruda e vera. Inutile dire che la recitazione è superba, come quasi ogni altro aspetto dell'opera.
Un film che cambia il modo di vedere il cinema, un capolavoro.
Voto: 10/10

Halloween - The Beginning (recensione)

2009-01-31T06:45:00.000-08:00

di Rob Zombie (2007)
con Heater Bowen, Daeg Faerch

La notte di natale un bambino di dieci anni, Micheal Myers, fa una strage della sua famiglia, risparmiando solo la sorellina. Quindici anni dopo, evaso dall'ospedale psichiatrico in cui era stato internato, tornerà a cercarla.

Sono alcuni anni ormai che il genere horror vive di remake di film degli anni settanta, o di prequel, o di seguiti di remake. Questo è addirittura una novità in materia: è un prequel per la prima metà film, poi diventa un remake. Se ne sentiva il bisogno. L'originale è evidentemente Halloween di Carpenter, pilastro di tutto il cinema horror. A seguire questo progetto è stato Rob Zombie (qui regista, sceneggiatore e anche produttore), persona ormai nota nel genere, autore del bel 'La casa dei 1000 corpi' e dell'eccellente 'La casa del diavolo'. Dispiace, e non poco, vedere come Zombie questa volta abbia fatto un cattivo lavoro. Non c'è molto da dire, il tran tran si intuisce già dai primi momenti: il ritmo è inesistente ci si annoia subito, gli attori sono alquanto incapaci e anche mal diretti, mancano punti particolarmente avvincenti (fatta esclusione forse per gli ultimissimi minuti di film), la sceneggiatura è mediocre, le uccisioni sono alquanto prive d'inventiva. In pratica, il film non è divertente, anzi, a tratti può risultare addirittura sgradevole. Si salva, in extremis, la regia, che non scade in banalità o in manierismi, ma non è sufficiente. Ripeto: dispiace, perché Zombie ha grandissime potenzialità e le ha dimostrate, speriamo che questa sia una caduta momentanea.
Voto: 5/10 (regalato)

The Millionaire (recensione)

2009-01-15T05:37:00.000-08:00

di Danny Boyle (2008)
con Dev Patel e Freida Pinto

Jamal Malik è un diciottenne orfano cresciuto nella baraccopoli di Mumbai. Si ritrova però a leggere la domanda finale da venti milioni di rupie nel noto show televisivo, pur non avendo ricevuto alcuna educazione, e viene arrestato e interrogato per presunta truffa. Così verremo a sapere della sua mirabolante vita.

Per parlare di questo film è bene partire dalla fine, più precisamente dai titoli di coda; alla conclusione delle vicende infatti assistiamo ad un ballo di gruppo in puro stile Bollywoodiano, o, se volete, in stile musical. Premesso che abbiate visto il film, se arrivate ai titoli di coda rimanendo sorpresi significa che avete capito ben poco, in quanto è sicuramente la scena che meglio rappresenta il film stesso. A questo punto tutto dipende da cosa vi aspettate da un prodotto cinematografico, qualunque esso sia. Con The Millionaire ci troviamo di fronte infatti a un puro divertissement, ignobilmente mascherato con facciata che illude che sia presente una qualche denuncia sociale o uno sfondo realistico. Il protagonista per tutto il film infatti racconta la sua vita disgraziata in una delle zone più povere del mondo, tra fanatismo religioso, criminalità, speculazioni, ma anche fratellanza e amore. Qui è obbligatorio parlare del piano su cui è rappresentata la vicenda: se un qualunque film, senza fare distinzioni, vuole rappresentare la realtà passa attraverso la finzione, quindi la messa in scena che siamo ben consci non essere la vera realtà. Qui Boyle va oltre: non rappresenta la realtà attraverso la finzione, ma mette in scena una realtà filtrata due volte dalla finzione. Fondamentalmente questo è il motivo per cui molto critico apprezzano Boyle, anche come 'innovatore'. Il problema è che così facendo si crea un'opera di buon intrattenimento forzando le situazioni e i sentimenti, e questo è molto grave quando si parla di realtà difficili come quella indiana. In pratica The Millionaire è un musical senza musica, un film falso che più falso non si può, costruito sull'illusione e sul fittizio; è una grande e bella bolla di sapone, solo che pochi se ne sono accorti, anche a causa degli aspetti più formali, come la regia troppo veloce che non ci lascia il tempo di pensare e di accorgerci che quello che stiamo guardando non è nulla più che fumo. Il tutto aggravato, e qui penso che tutti siano d'accordo, da una costruzione troppo macchinosa e artificiale, a volte addirittura ripetitiva (domanda- evento della vita-domanda...). Non è così che si fa cinema.
Voto: 4,5/10

Gomorra Escluso dagli Oscar

2009-01-13T14:08:00.000-08:00

Già con la sconfitta ai Golden Globe si poteva intuire che Gomorra non aveva poi molte possibilità di ambire a qualche Oscar, forse perchè l'Academy non sopporterebbe che un film molto premiato in Europa potesse esserlo anche nel loro Paese (non sia mai che qualcuno giudichi bello qualcosa prima di loro) . Quello che fa più riflettere però è l'importanza data a The Millionaire, il mediocre film di Boyle, che dopo aver sbancato i Golden Globe è il grande favorito agli Oscar. Basta veramente un pizzico di polvere negli occhi per convincere una giuria cinematografica?

12 (recensione)

2008-12-11T08:42:00.000-08:00

12 (2007)
di Nikita Mikhalkov con Nikita Mikhalkov, Viktor Verzhbitsky

12 ( il titolo prende nome sia dal giorno dell'avvenimento narrato sia dal numero dei giurati) è un riadattamento del film di Lumet del '57 'La parola ai giurati': una giuria si riunisce per decidere su di un caso apparentemente semplice, ma uno instillerà in tutti gli altri il germe del dubbio. Mikhalov riadatta il tutto ambientando il fatto in Russia e ponendo come apparente colpevole un ceceno, accusato di aver ucciso il patrigno, un ex-soldato in congedo.
Il film fa parte nel filone abbastanza recente del nuovo cinema russo, reso famoso internazionalmente da 'I Guardiano della Notte', che apparentemente ha ben poco a che fare con questo, essendo un action-fantasy molto commerciale. Se però per differenza confrontiamo questi due film con un filone russo più classico, che va da Tarkovsky a Sokurov, ci parranno più chiare le analogie. Lo stile è più asciutto, perde tutto il lato lirico e il montaggio si fa estremamente veloce, fino a diventare frenetico nelle scene d'azione; la lentezza, l'indugiare sul particolare che hanno reso famosi i due registi sopra citati sono stati dimenticati in favore di un cinema più fruibile al grande pubblico. 12 trova qui il suo punto più importante, e nell'aver portato questo modo di fare cinema ad un genere non solo commerciale, ma anche d'autore. Per il resto i realtà c'è poco da dire : a turno ognuno dei 12 giurati racconterà più o meno la propria storia, per arrivare ad un finale non scontato ma forse un po' lontano dalla nostra mentalità per essere compreso appieno. Le recitazioni sono nel complesso buone, il ritmo a volte risente della fastidiosa interruzione dei flashback e due ore e mezza non sono poche (ricordiamo che tutto il film è ambientato in una palestra), ma tutto sommato il lavoro è più che discreto e non ci sono note particolarmente dolenti. L'attualizzazione con la situazione cecena non riesce a sopperire totalmente alla mancanza di originalità, ma non si ha la sensazione di 'già visto'; se siete interessati all'evoluzione del cinema russo, è un must.
Voto: 7,5

Nella valle di Elah (recensione)

2008-12-03T05:05:00.000-08:00

Nella Valle di Elah (2007)
di Paul Haggis con Tommy Lee Jones, Charlize Theron

Hank (Tommy Lee Jones), anziano veterano di guerra, riceve una telefonata dalla base militare in cui era di servizio il figlio, e viene a sapere che è scomparso pochi giorni dopo essere tornato dall'Iraq. Qui comincia la ricerca, che porterà Hank a scoprire che il figlio ha fatto una bruta fine in suolo americano.

Paul Haggis, dopo la brutta prova di Crash- Contatto Fisico, corregge il tiro e riesce a creare un discreto prodotto, almeno all'apparenza. L'impianto del film è estremamente classico, e qui possiamo trovare probabilmente sia il maggior difetto del film sia il motivo del miglioramento di Haggis. E' quindi palese che ci troviamo di fronte a uno dei registi più sopravvalutati degli ultimi tempi, se qui per riuscire a creare qualcosa all'altezza delle aspettative ha dovuto barricarsi dietro a una struttura tanto curata quanto semplice e priva di idee. Il cuore del film non è certo nella struttura, ma nel tema, quindi la guerra, il dolore di dover combattere e l'impossiblià della reintegrazione sociale. Anche qui potrebbero alzarsi delle critiche ('troppo facile', o qualcosa del genere), e non sarebbero neanche del tutto sbagliate. L'elemento che più colpisce è però la posizione che assume Haggis nei confronti dei temi che tratta: a una prima occhiata potrebbe sembrare che sia un film che accontenta tutti, sia i pro che i contro (alla guerra); ad un'analisi più approfondita però ci accorgiamo che Haggis ha un'idea molto precisa: in pratica, il messaggio del film è che la guerra non è sbagliata, anzi, potrebbe anche essere giusta, è proprio la guerra in Iraq che è sbagliata. Le critiche maggiori al film vengono mosse per questa posizione, guerrafondaia, ma forse sarebbe più giusto criticare l'eccessiva retorica con cui questa tesi viene sostenuta. Se Haggis avesse osato di più, nella forma e nel contenuto, probabilmente avrebbe fatto un lavoro molto peggiore di questo, che avendo una struttura molto solida, benchè scontata, e dei bravi interpreti (Charlize Theron a parte, coi capelli scuri sta davvero male), riesce a raggiungere la sufficienza.
Voto: 6

VELTRONI ... YES WE CAN?

2008-11-14T07:14:00.000-08:00

All'Esigua Utenza

2008-11-12T12:48:00.000-08:00

Il blog sarà prematuramente sospeso per miei problemi a connettermi regolarmente alla Rete. Spero di pubblicare qualche post comunque.
AGGIORNAMENTO DEL 4 DICEMBRE 2008: Emergenza rientrata.

Wall-E (recensione)

2008-11-02T08:20:00.000-08:00

Wall-E (2008)
di Andrew Stanton

Robot e Cuore

Wall-E è l'ultimo essere robotico in funzione sulla Terra, da quando il genere umano si è trasferito nello Spazio. Ha lavorato per secoli a fare cubetti di rifiuti, fino a quando, nel 2700 circa, un robot molto più avanzato di nome EVE interromperà la sua laboriosa solitudine.

Nelle ultima stagioni cinematografiche la Pixar non ha certo lasciato deluso il suo pubblico, anche quel Ratatouille dell'anno scorso non era per niente male. E' per questo che vedere Wall-E lascia così sorpresi: è arduo pensare che (quasi) ogni anno il distacco qualitativo sia così evidente.
Wall-E supera di gran lunga i suoi predecessori sotto tutti i punti di vista: è forse superfluo dire che il livello grafico e delle animazioni lascia a bocca aperta (alcuni paesaggi della terra desertica sono opere d'arte a se' stanti). Il character design è eccelso, anche nel rendere le differenze dall'obsoleto Wall-E all'ipertecnologica EVE, la controparte femminile. Bisogna sottolineare anche che probabilmente nei film d'animazione visti in passato si dava più importanza all'impianto tecnico di personaggi e ambientazioni (pensiamo al progresso nella resa delle pellicce degli animali) che ad una reale caratterizzazione artistica, forse avevano più importanza i programmatori che i disegnatori; posso affermare senza alcun dubbio che qui si è raggiunta la più alta simbiosi tra le due categorie, entrambe favolose.
L'impostazione narrativa è solo superficialmente tradizionale, in quanto nella realtà si distacca dall'ossessione contemporanea di costruire una storia perfetta, senza cali di ritmo e sempre veloce, e questo è uno dei motivi della riuscita del film: la storia è tutto sommato semplice, e ricordando la lezione dei vecchi classici Disney ampio spazio è lasciato alla poesia e all'emozione.
Non vorrei sottolineare che se si fosse evitata una parte centrale che rispecchia le caratteristiche di velocità narrativa sopra citate, probabilmente ci troveremmo davanti ad un capolavoro con la C maiuscola. La forza del film sta proprio nelle emozioni che le immagini riescono a trasmettere, cosa che molti non credevano fosse più possibile ormai, nell'era in cui il video domina ovunque, rendendoci insensibili.
Ma se escludiamo la parte puramente poetica, e ci concentriamo sul lato più cinematografico, la cosa che lascia più esterrefatti è la regia: già con Ratatouille si erano fatte riflessioni sul fatto che il cinema d'animazione potesse raggiungere livelli registici non realizzabili col cinema tradizionale, e con Wall-E non possiamo che trovare una conferma a questa ipotesi: non che il cinema tradizionale sia destinato a tramontare, questo non accadrà mai, ma dobbiamo essere consci del fatto che si sia superato il livello in cui i cosiddetti 'cartoni animati' sono realizzati con inquadrature frontali fisse o al massimo una carrellata. Le cose sono cambiate, si sono raggiunti ottimi livelli di integrazione con immagini filmate 'dal vero', e nell'utilizzo di effetti come il bianco e nero.
Insomma, Wall-E è un film che dovrebbe essere visto da tutti, ma proprio tutti, e se qualcuno osa dire (è successo) che è troppo sentimentalista va tacciato di essere insensibile.
Un plauso ai titoli di coda più belli mai visti, che ripercorrono l'arte (dipinta) dai graffiti rupestri all'espressionismo o giù di lì, con sottofondo di George Micheal.

Voto 9,5/10

Vogliamo anche le rose (in pillole)

2008-10-29T14:24:00.000-07:00

Anita caprioli in questo documentario si serve di tre diari per ricostruire la situazione di un'Italia che è stata, e che forse è stata dimenticata. Il film poi si articola, attraverso un grandioso apparato di filmati d'archivio montati con grandissima abilità, in modo da riuscire fruibili anche al più disattento degli spettatori, grazie anche all'infinita quantità di spunti di riflessioni che emergono quasi spontaneamente qua e là. Non pensiate che sia uno di quei documentari che vanno tanto di moda oggi, come quelli d'inchiesta alla Micheal Moore, estremamente lucidi e fissati su ciò che vogliono vedere: qui a farla da padrona è l'atmosfera che con grande maestria è stata ricreata, attraverso le emozioni, le lotte, le ideologie, le contraddizioni di un'Italia così vicina ma così lontana. E, come ci è ricordato nei titoli di coda, non è ancora finita.

2008-10-29T14:19:00.000-07:00

I Simpson - il film (recensione)

2008-10-15T08:39:00.000-07:00

I Simpson - il Film (2007)
di David Silverman

Simpson o non Simpson?

Homer, non obbedendo all'ordine di Marge, scarica i rifiuti prodotti dal suo maiale nel lago già al limite della sopportazione. Il Governo degli Stati Uniti decide così di isolare Springfield sotto una cupola trasparente, ma la famiglia Simpson cercherà in tutti i modi di salvare la loro amata città.

La famiglia più famosa della televisione arriva al cinema dopo quasi vent'anni di programmazione regolare: ma quanto ha mantenuto del suo spirito?
L'approccio a questo film può essere vario, e dipende fondamentalmente dalla conoscenza dello spettatore dalla serie TV creata da Matt Groening.
Io distinguerei tre tipi di persone che si accingono a guardare questo film: chi non ha praticamente idea di cosa siano i Simpson, chi ha visto qualche episodio e sa di cosa si tratta, e chi può dire di conoscere bene le serie, gli appassionati insomma.
Il primo tipo, quello formato da chi non sa cosa siano i Simpson, troverà sicuramente questa trasposizione divertente, e 'scoprirà' che questo cartoon è più irriverente e senza peli sulla lingua di quanto pensassero (posizione di gran parte della critica).
Anche gli spettatori medi troveranno questo film divertente, piacevole ma sapevano già dell'irriverenza sopra citata.
Gli appassionati, di cui io purtroppo mi ritrovo a far parte, resteranno senza dubbio con l'amaro in bocca. Nonostante i grandi nomi che hanno lavorato al progetto, dallo stesso Groening a L. Brooks, sceneggiatore degli episodi, il risultato è molto scarso, se paragonato ovviamente alla serie TV.
Molto di questo film si riesce a comprendere se lo si vede sia su un grande schermo sia su uno schermo televisivo: se al cinema le emozioni non mancano, date soprattutto dalle azioni spettacolari accompagnate da un'eccellente realizzazione tecnica, in TV gli sbadigli non mancano; la mancanza di un contenuto è agghiacciante, con un risultato finale di assoluta superficialità.
E' chiaro che pochi hanno notato questo, pochissimi si sarebbero aspettati qualcosa di diverso da un cartone animato americano, e moltissimi, a torto, hanno visto questa vacuità come se il film fosse un episodio tv più lungo. In realtà in un singolo episodio da poco più di venti minuti c'è molta più sostanza dell'intero film.
La motivazione comunque è tutt'altro che oscura, è anzi evidente già dalla primissima scena del film, in cui Grattachecca e Fichetto, gatto e topo, se le danno di santa ragione: al contrario degli episodi TV è stato censurato il sangue. Da buona tradizione americana è stato trasformata un'opera di critica sociale, a volte per nulla lieve, in un'opera ipercommerciale che deve essere per forza adatta a tutti, grandi e piccini, e non deve assolutamente urtare la sensibilità di nessuno, perdendo la capacità di far riflettere ( si ricordi che i Simpson sarebbero di ideologia apertamente democratica).
Come già detto, comunque, la realizzazione è molto curata, il film a volte diverte e anche i più appassionati ritroveranno un po' di auto-citazionismo (ad esempio quando viene mostrato il confine di Sprinfield con Stati americani che non confinano tra loro). Alla fine però questi non sono i veri Simpson, sono un surrogato buonista e annacquato.
Voto: 6,5

Non Pensarci (recensione)

2008-10-08T09:49:00.000-07:00

Non Pensarci (2007)
di Andrea Zanasi con Valerio Mastandrea

Il Vecchio Nuovo

Stefano Nardini è un chitarrista rock che a trentasei anni non è ancora riuscito a sfondare, e quando trova la sua ragazza, nell'appartamento di lei, con un altro, non ha posto dove andare, e si vede costretto a tornare dalla sua famiglia, che vive a centinaia di chilometri a Nord da lui. Ovviamente qui troverà che le cose sono tutt'altro che tranquille, e cercherà di risolvere i vari problemi con il fratello, la ditta sull'orlo del disastro, i genitori, la comunità.

Dopo aver letto una trama del genere, chiunque penserebbe alla solita minestra fatta di drammi personali, crisi di coppia (presenti), e qualsiasi altra cosa che il cinema italiano non esita a darci in continuazione. Su questo torneremo dopo. Molti critici hanno addirittura acclamato questo film, definendolo 'una boccata d'aria fresca', addirittura una novità; questo si giustifica nel fatto che non stiamo parlando di un film drammatico, o d'autore, ma di una commedia bella e buona ( inizio tragico, conclusione abbastanza positiva e personaggi 'classici', come la prostituta fonte di gag).
Il grande pregio di questo film sta proprio qui, in una forma estremamente fruibile a tutti i livelli, da un pubblico casuale a un più raffinato cinefilo. Ritmo estremamente serrato, tempi azzeccati alla perfezione (non è poco), situazioni molto divertenti e dopotutto mai banali, momenti più sentimentali. Troviamo poi attori che raramente sono così a loro agio in una commedia, mai stonati o sopra le righe, di buona caratterizzazione (se escludiamo alcune macchiette, che compaiono solo poche volte per fortuna): la recitazione, insomma, è più che convincente.
Non esito a dire che questo film è sicuramente una delle migliori commedie italiane degli ultimi anni. Qui, però, mi sorge una domanda: è questo un pregio? Ora spiego: questo film, visto da appassionato, mi ha lasciato un certo amaro in bocca. Non per la qualità, certamente discreta, quanto vedendolo nel contesto: desolante, a parte qualcosa di Soldini in Italia non c'è una commedia che non sia uno pseudo-Moccia o uno pseudo- De Sica (salvo rarissime eccezioni, come Pranzo di Ferragosto), difficile, troppo, trovare qualcosa di convincente nel panorama del brillante, se escludiamo quei film d'autore che un po' della commedia hanno, ma non si possono definire di questo genere.
Adesso torniamo al primo punto, che giustifica il discorso fin qui fatto: la trama non è certamente innovativa, e purtroppo la seguono a ruota i contenuti: tutto già visto, già masticato e rimasticato, dal tema della crisi della ditta, all'abusatissima crisi matrimoniale, al protagonista malvisto da qualcuno perchè lavora lontano, all'amico fuori di testa. Il regista ha anche cercato di sottolineare il problema dell'artita non riconoscito come professionista, ma a mio avviso in modo fallimentare e alquanto forzato.
Emblematicon el film è il personaggio del giovane politico, che ad un cert punto sfoga le sue frustrazioni: voleva cambiare le cose, lui, ma scopre di non aver nessun potere. La parbola del film: pensava di poter cambiare almeno qualcosa, ma è stato insufficiente.
Voto: 6/10

P.S.: questa recensione sembra una stroncatura, in quanto ho dato troppa enfasi a difetti appena percettibili, e ad elementi che poco interessao il pubblico medio. Anche per questo il voto sembra forse troppo alto. La prossima volta cercherò di essere più equilibrato.

Sulla (giusta) scelta di Gomorra per gli Oscar 2009

2008-10-04T07:55:00.000-07:00

“Gomorra”, il film di Matteo Garrone tratto dal best seller di Robert Saviano, è stato designato dall’Anica a rappresentare l’Italia agli Oscar. Sarà l'Academy di Los Angeles a decidere, il 22 gennaio, quale film straniero sarà effettivamente candidato all’Oscar. AGI

Come avete letto qui sopra, Gomorra di Matteo Garrone, ma forse è più giusto dire di Saviano, è stato scelto per rappresentare l'Italia all'edizione degli Academy Awards 2009. Ovviamente non è ancora detto se entrerà effettivamente nella rosa dei candidati reali (ricordo che nel 2007 sono stati vagliati 61 titoli e che solo 9 sono stati scelti). Se avete visto il film non potrete sicuramente aver fatto a meno di riflettere su questa notizia: la domanda più ovvia da porsi è se sia questo il film giusto per rappresentarci e rappresentare il cinema nostrano.
Io dico subito cosa penso, poi spiegherò: secondo me è stata una scelta azzeccata, sono sostanzialmente d'accordo.
L'unica critica che si può muovere è sull'italianità del film nel senso più stretto del termine: è chiaro che Gomorra nella sua impostazione di base non rientra nella media dei film italiani, sotto alcuni punti di vista. Non è ambientato in una situazione alto-borghese, non tratta di drammucci personali che assumono dimensioni epiche, non è patinato, e questo lo distingue nettamente da quello che nostro cinema, con alcune eccezioni, ci offre quotidianamente.
Questo è il punto. Non possiamo neanche lontanamente pensare che quello detto sopra sia un difetto, o di svantaggio nell'ambito della competizione, bensì dà una marcia in più a Gomorra.
Veramente pochi l'hanno notato, ma Gomorra è un prodotto impostato per una fruizione altamente internazionale: il premio vinto a Cannes ne è una prova evidente.
Gomorra non è un film strettamente corale, alla Altman, ma non può neanche essere definito a episodi singoli: Hollywood ha ricominciato ad apprezzare una struttura del genere, ricordiamo Crash di Haggis e i film di Inarritu, che hanno vinto valanghe d'Oscar.
Mancano poi i consueti dialoghi sterminati e sterili (anche se a volte piacevoli) dei 'soliti' film italiani, in favore di una buona dose d'azione e sangue che al pubblico non dispiace mai, soprattutto se americano; infine, la cosa più importante: parla di Mafia, della mafia italiana, quella di cui tutti (sto parlando di un pubblico internazionale) vogliono sentir parlare e quella che noi italiani così raramente raccontiamo. Sebbene consideri Gomorra un film abbastanza buono, qualitativamente, e niente di più penso che abbia dei presupposti più che validi per poter competere agli Oscar, e per avere un successo internazionale.

AGGIORNAMENTO 08/12/2008: Gomorra di Matteo Garrone domina gli Efa, gli European Film Awards, conquistando i premi più prestigiosi: miglior film europeo, miglior regia, miglior sceneggiatura (Maurizio Braucci, Ugo Chiti, il neo-regista di "Pranzo di Ferragosto" Gianni Di Gregorio, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso e Roberto Saviano, l'autore di questo best-seller sulla camorra), miglior fotografia di Marco Onorato e miglior attore, Toni Servillo. Quest'anno è lui Il Divo, per dirla con il titolo del film di Paolo Sorrentino (che era pòure in corsa), nel quale sempre l'attore napoletano è protagonista. [da l'Unità]

Inizio qui

2008-09-26T06:21:00.000-07:00

Questo è il primo post. Cercherò di aggiornare regolarmente il blog, creato per accogliere le mie (e vostre) riflessioni soprattutto sul cinema, da cui ovviamente il nome, ma mi permetterò di postare anche qualcosa su televisione, videogiochi, e magari anche attualità. La mia intenzione comunque è di rimanere il più possibile sul cinema. Buona fruizione.